Amor, sexo, fiestas y sexualidad

Amsterdam- Es una de las grandes exposiciones del año en Europa, enmarcada dentro de los actos que festejan los 400 años del nacimiento de Rembrandt. Los dos sabios de la luz, del instante y de la intensidad dramática se miden por primera vez en cuatro siglos en un duelo apasionante. Y lo hacen en casa de un tercer genio, el Museo Van Gogh, a pocos metros del Rijksmuseum, cerrado parcialmente por las obras de ampliación. Un enfrentamiento con una inevitable connotación competitiva, algo así como el partido de ayer entre el holandés Ayax y el italiano Inter celebrado en Amsterdam. Son los propios organizadores de la muestra, abierta hasta el 18 de junio, los que animan al visitante que está viendo las obras con audioguías a través de comentarios de este tipo: «¿A cuál de los dos daría usted una nota mayor?» o «¿cuál de los dos artistas ha tenido más éxito en este cuadro?».

   Aplicados alumnos. El montaje da pie a ello. Son apenas veinticinco obras de los dos pintores, pero entre ellas se cuentan muchas de las más célebres creaciones de uno y de otro traídas de algunos de los mejores museos del mundo. El Thyssen de Madrid ha prestado «Santa Caterina de Alejandría». La exposición no viajará a ninguna otra ciudad, por tanto supone una ocasión única para contemplar los asombrosos paralelismos entre ambos a la hora de afrontar su provocadora revisión de los relatos mitológicos y bíblicos, así como sus investigaciones en el estudio de la luz, en especial del claroscuro, la técnica patentada por Caravaggio (1571-1610) que años después llegaría a la paleta de Rembrandt a través de los pintores de la escuela de Utrech.

   Este grupo de «caravaggistas» (Dirk van Baburen y Gerard van Honthorst son los más destacados) también está representado en la exposición con algunos de los óleos a partir de los cuales Rembrandt aprendió a iluminar las escenas de sus cuadros y, en especial, sus retratos y autorretratos. Un género éste en el que, presumiblemente, Caravaggio, segun la historiografía oficial, no logra superar al holandés. Algo que se pone en entredicho en algunos de los fabulosos retratos de carácter que pintó el italiano, como el del caballero católico «Fra Antonio Martelli», pintado en 1608 y hoy propiedad de la Galería Palatina de Florencia.

   El montaje diseñado para el Museo Van Gogh incorpora el efectismo lumínico y la teatralidad de ambos. Los cuadros se presentan de dos en dos. A veces los temas y las escenas son las mismas: sucede en «El sacrificio de Abraham», mucho más violento y escabroso para Caravaggio. En el tratamiento de la mitología, ambos subvierten la tradición de refinamiento y se postulan como «definidores de tendencias», según el comisario. Así, mientras Rembrandt recurre al feísmo del niño en el famoso «El rapto de Gamínedes», Caravaggio viste un ángel desafiante, sexual y desvergonzado para los gustos de su época en «Amor triunfante». Se permiten provocaciones como comparar el «San Jerónimo escribiendo» realizado por el italiano, ejemplo de austeridad católica, con «El baño de Betsabé», del holandés, en el que una modelo posa con los pechos caídos y las manos deformadas. Los dos personajes son captados en el momento de la reflexión. Ahí empieza y acaba el paralelismo.

   Uno y otro escandalizaron a la sociedad de la época, tanto la protestante como la católica, con sus relatos dominados por el sexo, el drama y la violencia. Además, ambos utilizaron personajes de la calle, desde labriegos y lavanderas hasta prostitutas, como modelos para encarnar a dioses mitológicos y a santos. Rembrandt usó de modelo a Saskia, su esposa, en múltiples ocasiones. Aquí se la puede ver como Flora, la diosa de la fertilidad. Son siempre personajes tangibles que no ocultan su procedencia ni sus sentimientos. Caravaggio imprime un aire homoerótico al retrato «Un niño mordido por un lagarto», que se mide con el sobrio retrato de Titus, el hijo de Rembrandt.

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